在這幅畫中，柯洛使用建築物側影的佈景來顯示近景，然後啟示著人們去聯想畫面的縱深度。

　近景右面是一座長著幾棵小樹的山坡，這座小山坡剛好把畫面切開，有助於減弱畫面的龐大氣勢，同時也直接創造出一種更強烈的縱深感。甚至為了加強這種縱深感，若干年後，即在 1872 年，柯洛曾重繪此畫，在畫中增加了坐在左面的人像，同時對原作的中間部份加以修改。這幅畫是完全依靠赭石色調與綠色調的色彩對比關係，以及在天空的淺藍色襯托下，份外引人入勝：這種對比關係由於街道、劈開的石塊、以及房屋正面均白色調而顯得更加醒目。在畫面裡，柯洛把自然界與建築物結合起來，這不僅暗示人與大自然的關係、建築物與風景的統一，而且還在於他從各個平面去描繪景物的光影效果。

　雖然以大教堂為繪畫主題的畫家，首推康斯塔伯，不過，柯洛根據他特有的詩意卻將這個主題加以修改。對於柯洛來說，他感興趣的並不是不同景物之間的相互搭配，而是對整個畫面空間的探索。在這個畫面空間中，柯洛認為任何因素都不應占上風；在越過小山和一排白色房屋的那個地方，可以看到有一座建築物，但是這座建築物本身並不是畫面的主角，這正如天空也並非是「背景」一樣，因為天空渲染著淺藍的透明色，已經與整體的赭石色調和綠色調揉和在一起了。

　在這幅畫一片碧綠的樹林當中，柯洛畫了一些沈浸在灰色透明光照之下的仙女和牧羊人。這是一幅經過長時間繪製之後，才得以問世的作品。為了這幅畫，柯洛曾經制訂了一項計劃，其中包括要研究和參考一些大師的作品。

　由於柯洛曾為法國歌劇院女芭蕾舞演員的演出，繪製過許多速寫，因此在這幅畫面前，我們會覺得眼前所看到的，像是一場芭蕾舞，而不是一個神話場面；我們甚至覺得自己似乎聽到，從那林中空地、樹林之間，隱隱約約地傳來了音樂聲，使我們也融入仙女和牧羊人的舞蹈節奏裡。

　柯洛固然可以自命為十九世紀最偉大的風景畫家，然而他為數不多的肖像畫也相當出色，在這些肖像畫中，他的興趣集中在繪畫技巧上，以及如何使用色彩表現光影，以塑造出形體。

　對柯洛來說，自然界與人、風景畫與肖像畫彼此之間，都沒有什麼不同。在他看來，人的形象就如同意境深遠的風景一樣，必須以同樣的熱愛、同樣充滿憐憫與激情的方式來接近它們﹝也正是由於這個原因，他為兒童所繪製的肖像畫法最自由、最率直﹞。

　「我認為，人﹝正如土地一樣﹞無非是由各種不同的成分所組成的。」他還說：「我畫女人的乳房，就如同畫任意一件物品，如同盛著牛奶的容器一般。」其實，當他這樣說時，他是在撒謊，他是在掩飾隱藏在內心的迫切和激情，因為他能捕捉到人物所具備的大量人性，不僅要保留了這些人的體態，還要恰到好處地保留了這些人的神秘感和侷促不安的情緒。

　在這幅描繪一個少婦靠在井邊的畫面中，隱藏著柯洛對義大利女人的深刻追憶，在他第一次的羅馬之行中，他感受到：「她們是我所見過的，世界上最美麗的女人」，柯洛曾在給友人的信中這樣讚譽她。

　這幅作品，正如那些義大利女人啟發他繪出的其他作品一樣，女人的衣著、色彩和姿態，以及背景中的種種風光實物，似乎都成為他對舊日往昔的懷念，以及對時光流逝的惋惜與追意。

　柯洛似乎對於「波光粼粼」的效果產生了興趣和喜愛，並先於印象派畫家，表現出這種描繪自然界的要素。因為畫者可以藉著水紋的波動、反射色彩的效果來「修飾」圖式：水中倒影因天空中的光線和色彩的投射而鮮活起來，並且呈現出變化無窮的多樣面貌。

　池塘的透明水面將我們引入畫中世界，一排排修長的樹木則將我們的視線引向瑪麗塞爾教堂；樹木像波浪般參差不齊地高聳著，似乎要衝入雲宵，而教堂距離十分遙遠，就像幻影一樣。池塘中的倒影、樹叢的透明色調、樹幹棕色的扭曲線條、童話式的藍紫色教堂，和飄浮著略帶玫瑰色雲朵的淺藍色天空，搭配得十分協調。

　「自然界，是柯洛的模特兒；它之所以是柯洛的模特兒，是有很多理由的。在柯洛看來，充溢著光線的自然界最具有繪畫的準確性。當他要描繪霧氣瀰漫的風景，和帶有浸潤水氣的樹叢時，總是將這些瞬息即逝的形態，表現得既清晰又模糊，便畫面結構像是遮掩在一層紗幕之下一般，顯得矇矓。柯洛更注意去觀察土地的形態，諸如：岩石、沙土、波浪起伏的地面、如浮雕般的鄉間羊腸小道，以及天然的土地的景像，這些對他來說都具有重要的意義。

　何洛認為，樹木正不斷地生長著，不過也只能在自己這塊土地上生長；樹就是這樣的樹，地點也就是這樣的地點，它的根紮得如此深而牢固，不僅代表了它的樹木品種，而且也極富個性，更象徵著它綿長的歷史。於是，它就成為柯洛心目中的某一種永恆的樹。

　柯洛為他的外甥女畫過四幅肖像畫，並且都製作成副本送給她的母親塞納貢夫人﹝原畫則獻給模特兒﹞。這幅畫作的尺寸並不算大，但絲毫無損其生動感。

　而且其中最令人驚歎的，無非是處理手法的簡潔有力，使模特兒與觀賞者之間息息相通，筆法上明顯地看出相當輕鬆而自然。

　柯洛繪畫的基礎，同時也始終出於自發性的重要因素，就是他所謂的「純樸性」：「在畫室中，畫家的「純樸性」一定要發揮到最大的極限；特別是您看到什麼，就畫什麼……要達到意識與信心並用的地步。」他就是這樣不斷地叮囑他的學生，同時也提出另一個重要的指導方針，那就是激情。「我片刻也不會喪失將我牢牢抓住的激情。這種真實的感覺是藝術的一部份，也是對繪畫實體的補充，使我們所感覺到的東西十分真實，因此，我在某種程度上既用我的心，同時又用我的眼睛來作畫。」

　構圖的基礎是素描，素描再加上色彩的效果，就構成柯洛繪畫的根基：「素描是必須考慮的首要條件；然後才是形態與色彩之間的關係。」就是這樣，他那些光彩照人、栩栩如生的肖像畫，在景物襯托下躍然於畫面上。歸根究底，柯洛能成功地通過對自然界的感覺﹝這種感覺也變為對生命的感覺﹞來捕捉住模特兒的呼吸和血脈的跳動；他全心全意地投入其中，表達出景物和建築物之間的各種平面與體積的構造關係，並將這一切籠罩在水品般閃爍的光線下。

　柯洛對自然界的感情使這幅畫充滿了生氣且動人心魄，而成為現代風景繪畫中，技藝最高、最引人入勝的作品之一。或許這只是一個充滿詩情畫意的片段，但從和諧的色調中，同樣可以找到和諧的樂章。瓦萊里曾不只一次說過：「這幅畫就像是由精湛的演奏技巧，所散發出來的優美旋律。我們可以看到，柯洛從一片透明的廣闊天地中，從一棵樹木，以及在各種不同時刻的光線之下，繪出令人陶醉的景象，直可與音樂的意境相媲美。」

　柯洛究竟是如何繪出這種和諧的？他的構圖幾乎像電影取景般的被切開來：畫面遠景的橋樑，被前景的兩跟樹幹橫切開來，此外還有一些被畫緣切斷的樹木和河岸，河水佔滿了畫面，像一面大鏡子似的。這樣的畫面也許是受當時剛剛興起的照相術所影響。柯洛十分老練地處理了各種構圖的線條：樹幹略為傾斜和扭曲的線條、河岸與橋樑的橫向線條、背景中的山丘向上伸展的線條，以及那一根根樹幹、一簇簇枝葉的筆觸，但柯洛又淡淡的描繪這些樹幹和枝葉。

　柯洛以精細筆法畫出的灰色和綠色色彩的交互作用，再加上那深淺有致的淺藍色，都使畫中瞬間的景色及光線變得如此動人心弦，使這幅畫陷入憂鬱的沉思當中。